Este libro refleja perfectamente el modus operandi y el espíritu que subyace en la trayectoria profesional de Josep Lluís Mateo, sin duda uno de los arquitectos españoles de mayor repercusión internacional. Con estudio en Barcelona, Josep Lluís Mateo ha desarrollado toda su trayectoria docente en el ETH de Zúrich, donde es catedrático de proyectos; y, a sus proyectos para París, La Haya o Amsterdam se han sumado recientemente los iniciados en Haarlem, Basilea, México DF y Castelo Branco, ampliamente analizados en este libro, que recoge, además, nuevos reportajes fotográficos de Christian Richters, un ensayo fotográfico del artista Sergio Belinchón sobre el Centro de Convenciones Internacional de Barcelona –uno de los proyectos más determinantes de los últimos años– y un extenso estudio y una entrevista realizados por José Luis Pardo y por Philip Ursprung, respectivamente.

Marcel·lí Antúnez Roca (Moià, Barcelona, 1959) es conocido internacionalmente por sus acciones mecatrónicas y sus instalaciones interactivas. Desde sus inicios como fundador de la compañía de teatro La Fura dels Baus en 1979 hasta la fecha, Marcel·lí ha desarrollado un universo particular al que ha contribuido, entre otras cosas, su interés por el Art Brut, las vanguardias de los años 60’, la tecnología, la ciencia, el cómic y las tradiciones populares. Un cosmos que se completa con su inclinación por ciertos elementos de la condición humana como la comida, el sexo o la muerte.

Desde hace más de dos décadas, el arte de acción, núcleo del trabajo de Marcel·lí, está inmerso en la tecnología digital. Durante estos años, el artista ha desarrollado un procedimiento para realizar sus trabajos al que denomina con el neologismo sistematurgia. El quid de este método es la participación del usuario.

Este libro nos habla de la sistematurgia en la forma de un relato en primera persona que también permite conocer la génesis y la forma de los trabajos que van desde el robot Joan l’home de Carn (1992) hasta la exposición presentada en 2014 en el centro Arts Santa Mònica de Barcelona: «Sistematurgia. Acciones, dispositivos y dibujos», título también de este volúmen. Estas páginas se completan con un glosario de palabras del artista, sus manifiestos y una cronología completa de su actividad artística.

Frente a un discurso crítico que parece haber liquidado la narración como un elemento ajeno al espíritu de la danza, A contracuento intenta rehabilitar el cuento, y exponer las razones y las formas de un infinito historial de intersecciones, de convergencias y complicidades entre las malicias del narrar y las malicias del danzar. Lo hace detectando los indicios de una danza secretamente inscrita en la peripecia del cuento (de su forma originaria, el mito, a sus últimas derivas, en la novela posmoderna), y lo hace dialogando con distintos protocolos del saber y del hacer, del arte figurativo a la filosofía del siglo XX, a la física y la biología.

Este libro heterogéneo habla de nubes, nenúfares, naufragios, panoramas, tejidos, urdimbres y texturas, sin perder de vista en ningún momento las expresiones más variadas de la danza en la actualidad y la pluralidad de autores que conforman su poética como la de un cuento <<extremo>>. Lo que se ofrece no es simplemente una lectura revolucionaria de la hermandad de cuerpo y cuento, sino una teoría general que intenta, dinamitando algunos lugares comunes de la crítica, rehabilitar la vocación coreográfica de la danza moderna, descubrir las raíces ornamentales del hacer dancístico, demostrar que la danza, como todo mito, constituye algo así como un efecto admirablemente <<colateral>>.

Roberto Fratini es Doctor en Artes Escénicas por la Universitat Autònoma de Barcelona y docente de Teoría de la Danza en el Conservatori Superior de Dansa de Barcelona, dramaturgo y ensayista. Ha realizado dramaturgias para varios coreógrafos en España, Francia, Italia y Suiza, e imparte regularmente cursos especializados, clases y talleres de teoría y dramaturgia de la danza en distintas instituciones universitarias y teatrales europeas.

Colección Cuerpo de Letrase ha realizado en colaboración con el Mercat de les Flors.

El escultor español Julio González (1876-1942) fue pionero en la escultura de hierro soldado, un material al que llevó a un nivel de expresividad y plasticidad sin precedentes. González, nacido en Barcelona, aprendió el oficio de su padre, orfebre y escultor. En 1900, al trasladarse a París, su colaboración con el arte moderno más innovador y de mayor impacto supuso una indudable revitalización de sus propios planteamientos artísticos. No obstante, González forjó un estilo plenamente personal en su intento de incorporar las ideas de espacio y tiempo a su obra, y al hacerlo cambió el significado del hierro, dotándolo de nuevos valores constructivos y expresivos. Su obra tuvo un impacto decisivo en la escultura contemporánea. Aunque no produjo una obra abundante, su influencia en un escultor tan relevante como David Smith —un pupilo lejano suyo— prueba la repercusión de su arte.

Este monumental proyecto, forjado alrededor de su obra completa (proyectada en siete volúmenes) es el fruto de la iniciativa de Tomàs Llorens, antiguo director del Museo Reina Sofía, del Museo Thyssen-Bornemisza, ambos en Madrid, y del IVAM de Valencia, museo que posee cerca de 400 obras de Julio González en su colección.

Publicado en colaboración con el IVAM de Valencia y la Fundación Azcona de Madrid y distribuido en exclusiva por Ediciones Polígrafa.

El escultor español Julio González (1876-1942) fue pionero en la escultura de hierro soldado, un material al que llevó a un nivel de expresividad y plasticidad sin precedentes. González, nacido en Barcelona, aprendió el oficio de su padre, orfebre y escultor. En 1900, al trasladarse a París, su colaboración con el arte moderno más innovador y de mayor impacto supuso una indudable revitalización de sus propios planteamientos artísticos. No obstante, González forjó un estilo plenamente personal en su intento de incorporar las ideas de espacio y tiempo a su obra, y al hacerlo cambió el significado del hierro, dotándolo de nuevos valores constructivos y expresivos. Su obra tuvo un impacto decisivo en la escultura contemporánea. Aunque no produjo una obra abundante, su influencia en un escultor tan relevante como David Smith —un pupilo lejano suyo— prueba la repercusión de su arte.

Este monumental proyecto, forjado alrededor de su obra completa (proyectada en siete volúmenes) es el fruto de la iniciativa de Tomàs Llorens, antiguo director del Museo Reina Sofía, del Museo Thyssen-Bornemisza, ambos en Madrid, y del IVAM de Valencia, museo que posee cerca de 400 obras de Julio González en su colección.

Publicado en colaboración con el IVAM de Valencia y la Fundación Azcona de Madrid y distribuido en exclusiva por Ediciones Polígrafa.

La luz, la palabra y lo transitorio —esa moviente condición del azar— son conceptos que, de un modo u otro, están presentes en el conjunto de la obra de Chema Alvargonzalez (1960-2009), artista que desplegó sus dos décadas de trayectoria entre Barcelona y Berlín. Si Bruce Nauman y Dan Flavin son referentes directos en su modo de configurar el espacio a través de la experimentación lumínica, Mallarmé está en la base de su aproximación, de raíz lingüística, a la práctica del arte.

La condición objetual que suele otorgar a las palabras, más que encerrar un significado, le permiten una apertura semántica sólo al alcance de los grandes poetas. Si en sus vanitas —otro tema recurrente—, Chema Alvargonzalez nos invita a reflexionar sobre la muerte, su referencia a las últimas palabras de Goethe (Licht, mehr Licht!) nos remiten a la intensa relación que estableció entre naturaleza y poesía.

Francesc Torres (Barcelona, 1948) es, sin duda, uno de los más importantes artistas europeos de su generación.

El título del proyecto del que este libro es parte proviene de una frase de la novela titulada Darkness at Noon (El cero y el infinito) de Arthur Koestler y resume la implacable indiferencia de la Historia, en el sentido hegeliano del término, por el ser humano.

Durante la Guerra Civil Española un contingente de aproximadamente 3.500 norteamericanos (Brigada Abraham Lincoln) se incorporaron a la famosa XV Brigada Mixta del Ejército Republicano. La mitad no regresó a su país.

Harry Randall fue uno de los que sí regresaron. Era el fotógrafo y camarógrafo de la brigada y su trabajo constituye la base del proyecto, presentado en este caso en formato editorial como libro de artista. El material de base consiste en 45 minutos de película de 16 mm filmada durante un período de dos años (1937-1938), y que casi nadie ha visto hasta la fecha.

La obra ––y el libro de artista que ha generado–– reflexiona sobre la sedimentación histórica más allá del evento en concreto; es un comentario sobre la fragmentación material, literal y metafórica, que silentemente duerme bajo la políticamente condicionada y socialmente negociada narrativa oficial de la Historia.

Santiago Calatrava, uno de los más significados arquitectos contemporáneos, es también autor de una extensa serie de puentes en varias ciudades del mundo (Barcelona, Bilbao, Buenos Aires, Haarlem, Jerusalén, Orleáns, Sevilla, Tel Aviv y Valencia) en la que se asienta, en gran medida, su enorme popularidad. Santiago Calatrava. Obra completa es un estudio exhaustivo sobre su trayectoria profesional en la que debemos destacar las recientes estaciones ferroviarias proyectadas para Zúrich, Lyon, Lisboa y Lieja, el aeropuerto de Sondica de Bilbao, el Auditorio de Tenerife y la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia, además de la esperada terminal internodal proyectada para el World Trade Center de Nueva York.

Albert Ràfols-Casamada (Barcelona 1923) es sin duda uno de los artistas de referencia de lo que conocemos como abstracción lírica, tendencia con incuestionable vigencia internacional, en la que Ràfols-Casamada se inscribe al lado de Helen Frankenthaler o Richard Diebenkorn con quienes comparte el esprit de finesse (Dore Ashton), la afinada sensibilidad y el ascetismo formal. Una sensibilidad que aflora también en su creación poética y que en el amplio estudio dedicado por J.F. Yvars nos sirve, más que como elemento estructural, como pausas que marcan la inexorable cadencia de un discurso de imágenes iniciado hace más de cincuenta años. visión y Signo. La pintura de Ràfols-Casamada es la monografía más completa sobre el autor y el libro de referencia para el estudio de su obra.

El escultor español Julio González (1876-1942) fue pionero en la escultura de hierro soldado, un material al que llevó a un nivel de expresividad y plasticidad sin precedentes. González, nacido en Barcelona, aprendió el oficio de su padre, orfebre y escultor. En 1900, al trasladarse a París, su colaboración con el arte moderno más innovador y de mayor impacto supuso una indudable revitalización de sus propios planteamientos artísticos. No obstante, González forjó un estilo plenamente personal en su intento de incorporar las ideas de espacio y tiempo a su obra, y al hacerlo cambió el significado del hierro, dotándolo de nuevos valores constructivos y expresivos. Su obra tuvo un impacto decisivo en la escultura contemporánea. Aunque no produjo una obra abundante, su influencia en un escultor tan relevante como David Smith —un pupilo lejano suyo— prueba la repercusión de su arte.

Este monumental proyecto, forjado alrededor de su obra completa (proyectada en siete volúmenes) es el fruto de la iniciativa de Tomàs Llorens, antiguo director del Museo Reina Sofía, del Museo Thyssen-Bornemisza, ambos en Madrid, y del IVAM de Valencia, museo que posee cerca de 400 obras de Julio González en su colección.

Publicado en colaboración con el IVAM de Valencia y la Fundación Azcona de Madrid y distribuido en exclusiva por Ediciones Polígrafa.