La trayectoria de Velázquez puede ser considerada como una constante investigación de la relación entre la pintura y la naturaleza, en la que la pincelada toma el papel principal. A medida que la desarrolló, logró un naturalismo físico y psicológico sin precedentes con pinceladas progresivamente más pronunciadas y más elegantes, consiguiendo efectos milagrosos de ilusión con una técnica condensada y asombrosa, basada más en la deducción que en la elaboración del detalle. La síntesis de la vid y la obra de Velázquez que el profesor Santiago Alcolea i Gil realiza en este libro ofrece al lector una amplia panorámica de uno de los credores más señalados de la pintura universal.

Considerado como uno de los más importantes museos del mundo, El Prado atesora esculturas, dibujos, monedas y otras obras de arte, pero es a su incomparable colección de pintura a la que debe su fama universal. Formando parte de un fondo de más 8.600 pinturas se encuentran obras de los grandes maestros de las escuelas italiana, flamenca, española, francesa, holandesa y alemana. Albrecht Dürer, Anton van Dyck, Correggio, El Greco, Goya, Hieronymus van Aeken Bosch (El Bosco), José Ribera, Lucas Cranach, Nicolas Poussin, Pieter Brueghel, Rafael, Rembrandt, Rogier van derVeyden,Rubens,Sandro Botticelli,Tiepolo,Tintoretto,Tiziano, Velázquez, así como otros muchos creadores de la pintura de los siglos XII al XX, están representados en la magnífica colección del Prado. La historia del museo empieza durante el reinado de Carlos III, pero realmente no llega a concretarse en institución hasta el acceso a la corona de Fernando VII, bajo cuyo reinado se funda en 1819 el Museo Real de Pintura y Escultura. Con la desaparición de la monarquía española, el museo se nacionalizó y pasó a llamarse Museo del Prado. Sólo una décima parte de las obras de la inmensa colección del Prado se exponen normalmente. El arquitecto Rafael Moneo (Premio Pritzker 1996) ha realizado un proyecto de ampliación del museo para unir, a través de pasos subterráneos, el actual edificio neoclásico con dos edificios históricos colindantes, el claustro de la iglesia de los Jerónimos y un palacio del siglo XVII. 

La fuerza y vitalidad de su obra sitúan a Francis Bacon entre los mayores artistas del siglo XX. La vehemente intensidad de su pintura, que expresa la angustia existencial de sus contemporáneos, prácticamente no tiene equivalentes en la historia del arte. La obra de Bacon (1909-1992) incluye sin duda algunas de las pinturas más extraordinarias e intensas del arte moderno, que reflejan el aislamiento y terror de la condición humana, transmitidos por los rasgos distorsionados del cuerpo desnudo. Este volumen que se une a la celebración del centenario del artista y a las próximas exposiciones en Tate Britain, Londres, Museo del Prado, Madrid y Metropolitan Museum, Nueva York incluye las series de retratos y autorretratos; las variaciones en torno al retrato de Velázquez del Papa Inocencio X, de extraña y al mismo tiempo aterradora belleza; el desgarrador movimiento de la Crucifixión, los enigmáticos estudios de figuras, así como doce desplegables con sus sobrecogedores tripticos. Las 240 pinturas fueron seleccionadas por el artista, que se involucró activamente en todo lo relativo a las reproducciones de esta monografíca.

Destacado pintor de la tradición barroca española, junto a El Greco, Velázquez y Zurbarán, José Ribera fue el más tenebrista de todos ellos y el primero en ser llamado «artista y grabador». Su primer estilo, unas veces inspirado en Caravaggio y otras en el método empleado por Guido Reni, refleja indicios del estudio de los maestros españoles y venecianos. Junto a enormes y predominantes sombras, Ribera siempre confirió una gran fuerza al colorido local. A principios de la década de 1630, su estilo se alejó de los fuertes contrastes de luz y oscuridad para adoptar una iluminación más difusa y dorada.

En esta obra, Javier Portús, jefe de Conservación de Pintura Española (hasta 1700) del Museo del Prado, nos presenta la trayectoria de Ribera desde una nueva perspectiva, centrando su investigación en los primeros años del artista, que son los que los historiadores de arte menos han abordado hasta la fecha.

Junto a Velázquez y El Greco, Francisco de Zurbarán (1598-1664) es indudablemente uno de los pintores españoles más célebres del siglo XVII. Zurbarán, que para los románticos representó el ascetismo monástico español, vovlería a ponerse de actualidad en el siglo XX gracias, en parte, al cubismo, que contribuyó al redescubrimiento de las grandes cualidades plásticas de su obra. En efecto, si la simplicidad de su preparación artística refleja un temperamento melancólico y escasamente refinado, y si su pintura contiene incluso un acento rústico, en su obra se aprecia no obstante un predominio de los valores plásticos que responde a la preocupación de dar una forma concreta a la construcción del espíritu. El profesor Santriago Alcolea nos ofrece una perspectiva general de la trayectoria artística de Zurbarán, estructurada en cuatro período marcados por acontecimientos relevantes que provocaron unos significati vos cambios de estilo.